Неужели настоящие колокола? Конечно, нет. Такие колокола, какие раньше висели на церковных звонницах, какие вы можете увидеть и услышать в кино или представить по знаменитому Царь-колоколу в Кремле, невозможно поместить в оркестре. Оркестровые колокола -- это небольшие металлические трубки или пластинки, подвешенные на перекладине. Их заставляют звучать, ударяя колотушкой, обтянутой кожей (следовательно, колокола -- ударный инструмент). Применяют их, главным образом, в музыке для театра, там, где нужно изобразить колокольный звон -- в «Иване Сусанине», в «Борисе Годунове» Мусоргского, в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. И звон получается самый настоящий, потому что оркестровые колокола очень точно воспроизводят звучание настоящих колоколов.
| ОРКЕСТРОВЫЕ КОЛОКОЛА, ТРУБЧАТЫЕ С ПЕДАЛЬНО-ДЕМПФЕРНЫМ УСТРОЙСТВОМ |
Колокола вошли в оркестр в эпоху Великой французской революции. Впервые их использовал в своих произведениях композитор Керубини.
КОЛОКОЛЬЧИКИ. Как и колокола, это тоже ударный инструмент, но в отличие от колоколов, звук колокольчиков слабый, нежный, прозрачный.
 | КЛАВИШНЫЕ КОЛОКОЛЬЧИКИ |
КОЛОРАТУРА. По-итальянски «coloratura» -- значит украшение. Украшения в музыке -- это виртуозные пассажи, трели и другие похожие на них «музыкальные орнаменты», которые расцвечивают основную мелодию арии или -- реже -- романса.
Как правило, колоратуры встречаются в произведениях, написанных для самого высокого, легкого и подвижного женского голоса -- колоратурного сопрано. Так, все вы, наверное, не раз слышали арию Царицы ночи из оперы Моцарта «Волшебная флейта» или арию Антониды из оперы Глинки «Иван Сусанин». Но бывают колоратуры и в произведениях, написанных для других голосов. Например, ария дона Базилио «Клевета» в опере Россини «Севильский цирюльник» написана для баса, но богато «изукрашена» колоратурами.
Особенно характерны колоратуры для опер итальянских композиторов. Итальянские певцы издавна славились своей виртуозностью, и с самых давних времен в итальянской музыке сложилась традиция расцвечивать вокальную музыку разными украшениями. В XIX веке эта традиция отчасти сказалась и в сочинениях композиторов других стран,
Встречаются колоратуры и в русской музыке. Вспомните арию Людмилы из оперы Глинки «Руслан и Людмила». В партии Снегурочки в опере Римского-Корсакова колоратурные пассажи подчеркивают холодность, фантастическое происхождение дочери Мороза и Весны. А в романсе Алябьева «Соловей» колоратура подражает птичьим трелям.
КОЛОРАТУРНОЕ СОПРАНО -- см. Сопрано и Колоратура.
КОМПОЗИТОР. Было время, когда этим словом называли любого, кто занимался композицией, к какой бы области искусства это ни относилось. Ведь латинское composito означает -- сочинение, составление. Термин compositor можно перевести как сочинитель, составитель и отнести его к чему угодно, даже к составлению (композиции!) изящных букетов.
Однако уже начиная с XVI века этот термин все чаще стал употребляться в смысле «сочинитель музыки» (сначала говорили, как правило, «композитор музыки»). Сейчас у него имеется только одно это значение.
Очень трудно стать настоящим композитором. Для этого нужно посвятить всю свою жизнь музыке: с детства учиться играть на рояле, хорошо знать все музыкальные науки -- теорию музыки, гармонию, полифонию, оркестровку, историю музыкального искусства. Нужно изучить произведения всех крупных композиторов прошлого и современности, понять особенности их творчества; изучить особенности звучания всех музыкальных инструментов. Только тогда можно сочинять настоящую хорошую музыку. Разумеется, если есть творческое дарование.
Те, кто хочет стать композитором, учатся в музыкальном училище и в консерватории на теоретико-композиторском факультете.
КОМУЗ. Это самый известный, самый распространенный среди киргизских народных инструментов. И внешне и по звучанию он напоминает домру. У него грушевидный корпус с длинным грифом. Струн у него, как и у домры, три. Две крайние бывают настроены в унисон или октаву, а средняя -- всегда на квинту или кварту выше. На средней и исполняется мелодия, крайние же служат для аккомпанемента. Таким образом, комуз -- многоголосный инструмент.
Исполняют на комузе кюи -- инструментальные пьесы, связанные по содержанию с киргизскими легендами и преданиями. Используется комуз и как аккомпанирующий инструмент.
КОМУЗ
КОНКУРС. Это слово, без сомнения, всем хорошо знакомо. Широко распространены конкурсные экзамены, притом не только в вузы, но и, скажем, в музыкальные школы. Вам, наверное, приходилось слышать: «Там большой конкурс -- десять человек на место» или, напротив: «В этом году конкурса почти нет -- полтора человека!» А вместе с тем, и совсем другое: «Выступает лауреат международных конкурсов», «...победитель всесоюзного конкурса...».
Латинское слово «concursus» означает столкновение. В музыке, вообще в искусстве, так называют творческое соревнование. Бывают конкурсы среди композиторов -- например, на лучшую комсомольскую песню, на лучшее произведение к важной юбилейной дате. Такие конкурсы проводятся под девизами: жюри не знает участников. Ноты присылаются в конвертах, на которых каждый пишет свой девиз, а в других, маленьких конвертах, под тем же девизом, сообщает свою фамилию. Вскрываются эти конверты только после того, как конкурс проведен. Такой порядок введен, чтобы обеспечить полную беспристрастность жюри, чтобы все участники находились в равном положении, и громкое имя автора того или иного произведения никак не влияло на тех, кто должен оценить представленные сочинения.
 | МЕДАЛЬ ЛАУРЕАТА МЕЖДУНАРОДНОГО КОНКУРСА ИМЕНИ П. И.ЧАЙКОВСКОГО |
Значительно большее распространение имеют другие конкурсы -- исполнителей. Они проводятся в форме открытых концертов в несколько туров. В первом туре участвуют все, пожелавшие принять участие в конкурсе. Ко второму туру допускается лишь часть наиболее интересных участников. На нем идет еще более строгий отбор. Остается несколько самых ярких, самых талантливых. На третьем туре между ними по системе баллов происходит распределение мест: победителя, лауреатов, дипломантов. Лауреатами называются те, кто награждены премиями, дипломантами -- получившие почетные дипломы.
Есть много традиционных, то есть регулярно проводимых конкурсов. Например, конкурс Маргариты Лонг и Жака Тибо во Франции: в нем принимают участие пианисты и скрипачи в память выдающихся музыкантов пианистки Лонг и скрипача Тибо. Или конкурс имени Фридерика Шопена в Варшаве -- для пианистов. Но самый представительный, самый ответственный и почетный, безусловно, конкурс имени П. И. Чайковского, который проводится каждые четыре года в Москве. Первый конкурс имени П. И. Чайковского состоялся в 1958 году. Его победителями стали американский пианист Ван Клиберн и советский скрипач Валерий Климов. Теперь в этом конкурсе принимают участие не только пианисты и скрипачи, но и виолончелисты и певцы.
КОНСЕРВАТОРИЯ. В 1537 году в Неаполе открылся приют для сирот и беспризорных. В нем детей кормили, одевали и обучали различным ремеслам, а также пению: многочисленным храмам Италии требовалось множество певчих для церковных хоров.
Это заведение, которое на русском языке принято называть приютом, по-итальянски определялось словом conservatorio от латинского слова conservare -- охранять, сохранять.
На протяжении XVI и XVII веков в Италии было открыто много таких приютов. Постепенно преподавание музыки стало занимать в них основное место, и название консерватория, потеряв свой первоначальный смысл, стало означать музыкальное учебное заведение.
В нашей стране первая консерватория открылась в 1862 году в Петербурге. Ее основателем был Антон Григорьевич Рубинштейн -- прекрасный композитор и пианист, выдающийся неутомимый пропагандист музыкальной культуры, музыкальных знаний.
Одним из первых учеников Петербургской консерватории стал Петр Ильич Чайковский. По окончании ее он был приглашен в качестве профессора в основанную в 1866 году Московскую консерваторию. Оба этих старейших музыкальных учебных заведения дали России много превосходных музыкантов различных специальностей.
До Великой Октябрьской социалистической революции в консерватории принимали учеников разного возраста. Рядом с бородатыми молодыми людьми можно было встретить мальчиков в коротких штанишках, девочек с косичками. Например, на одном курсе уже в начале XX века учились гениально одаренный мальчик Сережа Прокофьев и успевший получить специальность военного инженера Николай Яковлевич Мясковский, впоследствии один из крупнейших советских композиторов-симфонистов.
Для поступления в консерваторию тогда требовалось наличие музыкальной одаренности и, разумеется, определенный уровень профессиональной подготовки. Взрослые ученики (студентами их тогда не называли) часто совмещали музыкальные занятия с обучением в университете или службой. Для младших существовали так называемые научные классы, в которых ученики получали общее образование, примерно такое же, какое давала гимназия.
Это положение сохранялось и некоторое время после революции. Так, Дмитрий Дмитриевич Шостакович поступил в консерваторию в 1919 году, когда ему было всего тринадцать лет. Однако уже в середине 20-х годов система обучения в консерваториях изменилась. С тех пор и поныне консерватория -- высшее музыкальное учебное заведение, куда принимают лишь тех, кто имеет среднее образование.
Выпускают консерватории музыкантов-инструменталистов, певцов, дирижеров, а также композиторов и музыковедов. Срок обучения на любом из факультетов -- пять лет. Наиболее одаренные студенты, имеющие склонность к научно-творческой деятельности, остаются в аспирантуре, которая имеется при нескольких крупнейших консерваториях Советского Союза. А всего их в нашей стране -- более двадцати пяти.
КОНТРАБАС. Самый низкий по звучанию среди струнных смычковых инструментов, контрабас играет очень важную роль в симфоническом оркестре. Это своего рода музыкальный фундамент, на который опирается звучание всех остальных инструментов.
Диапазон контрабаса -- от ми контроктавы до соль первой октавы. Чтобы не писать слишком много добавочных линеек, условились записывать партию контрабаса октавой выше его подлинного звучания.
| КОНТРАБАС |  |
Тем не менее некоторые контрабасисты достигают настоящей виртуозности и играют сложные пьесы, часто -- написанные для виолончели. Таким контрабасистом-виртуозом был Сергей Кусевицкий, прославившийся как выдающийся дирижер.
Среди советских контрабасистов наибольшей известностью пользуются имена И. Ф. Гертовича -- первого советского контрабасиста-солиста, а из молодых музыкантов -- Александра Михно, лауреата Международного конкурса контрабасистов, и Михаила Кикшоева, лауреата Всесоюзного конкурса.
Контрабасы популярны в эстрадных оркестрах и ансамблях. Там, как правило, на них играют щипком -- пиццикато.
КОНТРАЛЬТО. Так называется самый низкий женский голос глубокого грудного бархатистого тембра. Раньше он назывался альтом, по аналогии со струнным инструментом.
Голос этот встречается редко, да и композиторы используют его тоже не часто. Нередко к нему обращался Чайковский. Так, он написал для контральто партию Ольги в «Евгении Онегине» и Полины в «Пиковой даме».
В некоторых операх контральто исполняет партии юношей. Так, специально для великолепной певицы-контральто Воробьевой-Петровой Глинка создал партию Вани -- приемного сына Сусанина -- в опере «Иван Сусанин», а также молодого хазарского хана Ратмира в «Руслане и Людмиле». Римский-Корсаков поручил контральто партию гусляра Нежаты в «Садко» и пастуха-певца Леля в «Снегурочке». Песни Леля, пожалуй, наиболее популярны среди контральтового репертуара, особенно третья: «Туча со громом сговаривалась...».
Иногда, если в театре нет певицы-контральто, эти партии поручают голосу, наиболее близкому к нему -- меццо-сопрано.
Диапазон контральто от фа малой октавы до фа второй октавы.
КОНТРАФАГОТ -- см. Фагот.
КОНЦЕРТ. Вы включаете радио и слышите: «Передаем концерт по заявкам. Чайковский. Первый Концерт для фортепиано с оркестром». Слово концерт было произнесено два раза, но с разным значением. Каково же оно в каждом случае?
Латинское concertare означает состязаться. Итальянское concerto -- согласие. В музыке концертом стали называть произведение, в исполнении которого участвуют солист и оркестр. Они как бы состязаются друг с другом: виртуозная партия солиста противопоставлена красочному звучанию оркестра. Как правило, инструментальные концерты состоят из трех частей и создаются по тому же принципу, что и сонаты (в рассказе о сонате вы можете прочесть об этом подробнее). Встречаются также концерты, состоящие из большего количества частей, бывают они и одночастными.
Множество концертов написано для рояля, скрипки, виолончели с оркестром. Есть концерты и для других инструментов -- для духовых, для баяна, домры и т. д. Вы могли услышать и концерт для голоса с оркестром. Его написал советский композитор Рейнгольд Морицевич Глиэр.
Иногда композиторы пишут концерты не для одного, а для двух или трех солирующих инструментов. Тогда концерт так и называется: двойной идя тройной...
Что же касается другого значения термина концерт, то оно означает публичное исполнение музыкальных произведений, на котором присутствует публика. Так же называют, кроме того, исполнение музыкальных произведений по радио и телевидению, хотя передачи там часто ведутся из студий, в которых никакой публики не бывает.
Концерты могут быть разные: симфонические и камерные, хоровые и эстрадные, сольные и смешанные.
КОНЦЕРТМЕЙСТЕР. Слово концертмейстер, такое похожее на два других, о которых вы можете прочесть на страницах этой книжки -- капельмейстер и хормейстер -- также состоит из двух слов: концерт и мастер (по-немецки meister). Имеет оно два значения.
В оркестре так называется самый лучший из музыкантов какой-либо группы оркестра, который словно ведет за собой участников этой группы. Если в симфоническом произведении встречается сольный эпизод для какого-то инструмента, то исполняет его именно концертмейстер.
Концертмейстер главной группы симфонического оркестра -- группы первых скрипок -- считается концертмейстером всего оркестра. Это положение очень ответственное и почетное. Концертмейстер -- первый помощник дирижера, его правая рука. Обычно, когда после исполнения какого-то произведения дирижеру аплодирует публика, он, деля свой успех со всем оркестром, обращается к концертмейстеру отдельно, пожимает ему руку, благодаря за помощь. Бывают случаи, когда концертмейстер оркестра даже заменяет внезапно заболевшего дирижера за пультом.
А еще концертмейстером называют пианиста, который работает с учащимися -- скрипачами, вокалистами, виолончелистами и т. д. Такой концертмейстер -- помощник педагога -- руководит ими, помогает разучивать свои партии, находить верную трактовку произведения. Несколько иная роль у концертмейстеров, которые аккомпанируют певцам и инструменталистам -- мастерам своего дела. Здесь они выступают как равноправные участники единого ансамбля.
КОРНЕТ. Все дети, играющие на рояле, знают «Неаполитанскую песенку» из «Детского альбома» Чайковского. Эту музыку композитор поместил и в балет «Лебединое озеро». Только там под нее танцуют, и называется она «Неаполитанский танец». Мелодию танца играет медный духовой инструмент корнет.
Корнет звучанием напоминает трубу и имеет такой же диапазон. Он более виртуозен, чем труба, но звук его слабее.
 | КОРНЕТ С ПОРШНЕВЫМ МЕХАНИЗМОМ |
Корнет играет главную роль в духовом оркестре. В симфоническом он встречается реже. Кроме соло в «Лебедином озере», Чайковский поручил двум корнетам, играющим в терцию, нежную мелодию в «Итальянском каприччио».
КСИЛОФОН. В 1874 году французский композитор Сен-Санс написал произведение, названное им «Пляска смерти». Когда ее исполняли в первый раз, некоторых слушателей охватил ужас: они услышали стук костей, как будто в самом деле плясала Смерть -- страшный скелет с черепом, глядящим пустыми глазницами, с заржавленной косой в руках.
| КСИЛОФОН |  |
Как же добился композитор такого впечатления? Он ввел в оркестр ксилофон -- ударный инструмент, внешне похожий на колокольчики. Ксилофон имеет ту же форму, но состоит не из металлических пластинок, а из деревянных брусков. Играют на них при помощи двух деревянных палочек. Диапазон ксилофона -- от до первой до до четвертой октавы. Звук сухой, щелкающий, звонкий. Конечно, в наши дни он никого не пугает. Очень эффектно звучат на ксилофоне быстрые скерцозные пьесы, которые нередко исполняют ксилофонисты в сопровождении рояля.
КУЛЬМИНАЦИЯ. Латинское слово «culmen» означает в переводе вершина, высшая точка. В музыкальном произведении кульминацией называется эпизод, в котором достигается наивысшее напряжение, то есть наиболее эмоционально воздействующий момент, к которому подводит логика построения всей пьесы. Кульминаций может быть несколько на протяжении большого сочинения. Тогда одна из них является главной (ее называют иногда центральной или генеральной), а остальные -- «местными».
Кульминация есть в любой мелодии. Обычно это -- один из ее верхних звуков, подчеркнутый большей продолжительностью и сильной долей такта.
КУПЛЕТ. Видели вы когда-нибудь, как идут солдаты? Сначала они молча печатают шаг под команду командира, а потом над строем взвивается звонкий голос, запевающий бодрую солдатскую песню. Он поет несколько строф, а потом все подхватывают ее дружным хором.
То, что поет один -- солист, -- это запев песни. Обращали вы когда-нибудь внимание на то, как сложена песня? Особенно такая песня, которую можно петь многим вместе -- на демонстрации, в походе или вечером у пионерского костра. Она словно делится на две части, которые потом несколько раз повторяются. Эти две части -- запев или, иначе, куплет (французское слово couplet означает строфа) и припев, по-другому называемый рефреном (это слово тоже французское -- refrain). В хоровых песнях часто запев исполняется одним только певцом, а хор подхватывает припев. Состоит песня не из одного, а как правило, из нескольких куплетов. Музыка в них обычно не меняется или изменяется очень немного, а вот слова каждый раз другие. Припев же всегда остается неизменным и по тексту, и по музыке. Вспомните любую пионерскую песню или какую-нибудь из тех, что вы поете, выступая летом в поход, и проверьте сами, как она построена.
Форма, в которой пишется подавляющее большинство песен, называется поэтому куплетной формой. * Л *
ЛАД. Хорошее это славянское слово -- лад. Хорошо, когда дело ладится, когда в семье лад, когда платье ладно сшито... Много можно привести примеров с этим корнем, и все слова окажутся светлые, дружелюбные. Недаром лад -- это согласие, мир, стройность, порядок.
Но какое отношение все эти понятия могут иметь к музыке?
Оказывается, самое непосредственное.
Музыка -- искусство, в котором звуки располагаются стройно, согласованно, упорядоченно. Попробуйте-ка нажимать клавиши рояля или дергать струны гитары как попало: никакой музыки не получится!
Однако слово лад -- не просто стройность и согласие. Это специальный термин, который означает взаимосвязь звуков между собой, их согласованность, слаженность.
Вспомните любую мелодию: песню, танец, отрывок из какого-нибудь инструментального сочинения. Если вы начнете ее напевать, то обнаружите, что в любом, произвольном месте остановиться нельзя. И не только потому, что, допустим, не «уложились» все слова или не закончилось движение танца. Нет: дело в том, что звуки, сочетаясь друг с другом, воспринимаются ло-разному. Одни -- как устойчивые. На них можно остановиться подольше, вообще закончить движение. На них композитор и заканчивает куплет песни, раздел или всю инструментальную пьесу. На других остановиться никак нельзя: они вызывают ощущение незавершенности и требуют движения дальше, к устойчивому, опорному звуку.
Объединение звуков, различных по высоте и тяготеющих друг к другу, называется ладом. Основной звук лада -- самый устойчивый, к которому тяготеют все остальные, -- называется тоника. Аккорд из трех звуков, нижний из которых -- тоника, -- называется тоническим трезвучием.
Лады, то есть подобные объединения звуков, бывают разные. Наиболее распространены в европейской музыке лады, которые называются мажор и минор. В основе мажора -- тоническое трезвучие, в котором сначала, снизу -- большая терция (посмотрите, что написано о терции в рассказе «Интервал»), а над ней малая. Мажор получится, если вы, подойдя к роялю, нажмете последовательно все белые клавиши от ноты до вверх до следующей ноты до, расположенной октавой выше. Такое последовательное звучание нот в пределах октавы называется гаммой. То, что вы сыграли, гамма до мажор. Можно сыграть мажорную гамму от любого другого звука, только тогда в некоторых местах белую клавишу придется заменить черной. Ведь построение гамм подчинено определенной закономерности. Так во всех мажорных гаммах после двух взятых подряд тонов следует полутон, потом идут три тона подряд и снова полутон, В минорной гамме звуки чередуются иначе: тон, полутон, два тона, полутон, два тона. При этом гамма всегда называется по ее первому звуку.
В чем разница между гаммой и тональностью? Гамма может быть восходящей и нисходящей, то есть звуки в ней будут подниматься вверх или спускаться. Но расположены они непременно последовательно, без скачков; они двигаются со ступеньки на ступеньку (запомним это сравнение -- оно нам еще понадобится). А тональность... Предположим, вы поете песню на школьном уроке. Песня закончилась, и учительница говорит: «Хорошо, в ре мажоре у вас получилось (ре мажор -- значит, самый устойчивый, основной звук песни -- ре, а в аккомпанементе самый устойчивый аккорд, на котором песня закончилась, -- ре-мажорное трезвучие). А теперь давайте попробуем спеть ее немного повыше». Дает «настройку»: несколько аккордов в ми мажоре, чтобы вы привыкли к звучанию, и вы запеваете песню в другой тональности. Мелодия та же самая, как будто ничего и не изменилось, но звучит песня на тон выше, чем раньше. И основной устойчивый звук песни -- теперь не ре, а ми. И поэтому закончилось все ми-мажорным аккордом.
Значит, тональность это высота лада, высота, на которой он расположен. Иногда ее называют -- ладотональность.
Название тональности получается, когда к определению лада прибавляют название его главного звука -- тоники -- до мажор, ми-бемоль мажор, соль минор, фа-диез минор... Вот и появилось у нас название еще одного лада -- минор. Это тоже очень распространенный лад европейской музыки. В его основе минорное трезву-чие, в котором терции расположены так: снизу малая, а над ней большая. Минор получится, если сыграть подряд на белых клавишах все звуки от ля до ля.
Звуки лада называются ступенями и нумеруются римскими цифрами по порядку снизу вверх: I, II, III, IV, V, VI, VII. Тоника -- это I ступень.
Мажор и минор -- самые известные, самые распространенные лады. Но существуют кроме них и многие другие. Они распространены в народной музыке, все чаще используются и в современной профессиональной музыке. Есть и лады искусственные, придуманные композиторами. Так, например, Михаил Иванович Глинка придумал целотонный лад. Он называется так потому, что между всеми звуками расстояние -- целый тон. Звучит он странно, необычно. Глинка придумал его, чтобы передать состояние оцепенения, чего-то фантастического и безжизненного.
Многие лады, как и мажор и минор, состоят из семи ступеней, но бывают лады и из другого количества звуков. Так в целотонном -- шесть ступеней. Есть целая группа ладов, называемых пентатонными (по-гречески pente -- пять, tonos -- тон) -- это лады пятиступенные. Существуют и лады с другим количеством ступеней.
ЛАУРЕАТ. Это понятие пришло к нам из глубокой древности. Еще в Древней Греции, а затем и в Риме победителей на состязаниях увенчивали лавровыми венками. С тех пор и появилось слово laureatus, по-латыни -- увенчанный лаврами.
В наше время это слово употребляется в двух значениях. Первое -- победитель музыкального соревнования, конкурса. Вы, наверное, знаете многих таких лауреатов, особенно -- победителей самого авторитетного среди музыкальных состязаний, конкурса имени П. И. Чайковского. Среди его лауреатов -- Ван Клиберн и Валерий Климов, Борис Гутников и Григорий Соколов, Штефан Руха и Джон Огдон, Андрей Гаврилов и Михаил Плетнев, Наталья Шаховская и Иван Монигетти, Людмила Шемчук, Елена Образцова и Евгений Нестеренко.
Второе значение слова «лауреат» относится не только к представителям мира искусства. Так называют человека, отмеченного высокой премией. Есть у нас лауреаты Ленинской премии (это самая почетная премия, которой может быть удостоен человек), лауреаты Государственных премий, лауреаты премии Ленинского комсомола. Такими лауреатами становятся не только музыканты, но и художники, поэты, архитекторы, кинематографисты, ученые, совершившие открытия, изобретатели, придумавшие новые аппараты, рабочие, отличившиеся высокими показателями в труде.
ЛЕГКАЯ МУЗЫКА. Признаемся сразу -- термин этот не из самых удачных. В самом деле: если есть легкая музыка, значит должна быть и тяжелая? Но уж такой нет на свете. Бывает музыка серьезная, мрачная, грустная, трагическая -- но только не тяжелая.
Поэтому и вместо «легкой» лучше говорить как-то по-другому. Например -- развлекательная. Действительно: именно развлекательная музыка и является самой «легкой», доступной по содержанию. Она не вызывает глубоких раздумий. Ее дело -- развлечь, а иногда и отвлечь, дать отдохнуть. Однако «легкая» и «развлекательная» -- не синонимы. Ведь к легкой музыке относятся оперетта, танцевальная музыка, эстрадные песни, джазовые композиции. А это -- далеко не всегда только развлечение. И оперетты бывают такие, как, например, «Вольный ветер» Дунаевского, где говорится о борьбе за мир против поджигателей новой войны. И эстрадные песни есть веселые, а есть и очень серьезные, драматичные, заставляющие глубоко задуматься... Да и джаз -- тоже не всегда развлекательное искусство. Наверное, вы уже прочли о нем на страницах этой книжки. И тем не менее -- живет такой термин -- легкая музыка. И приходится его принимать. Только будем всегда помнить, насколько он условен.
ЛЕЙТМОТИВ. Наверное, любому школьнику хоть один раз довелось слышать симфоническую сказку Прокофьева «Петя и волк» о том, как пионер Петя поймал волка.
Помните, какие в ней действующие лица? Смешная, переваливающаяся с боку на бок Утка, веселая Птичка, ворчливый Дедушка, свирепый Волк... Всех их мы как будто видим -- так ярко рисует музыка персонажей сказки. Больше того: в тексте, который читает актер, может ничего и не говориться, например, о птичке, которая вьется перед носом волка, а мы слышим, что она тут... Почему? Да потому, что звучит характеризующая ее музыка -- быстрые пассажи маленькой флейты-пикколо. Петю композитор рисует красивой, распевной мелодией, похожей на пионерский марш, дедушку -- басовитым ворчанием фагота, Волка -- страшным завыванием валторн... Все персонажи музыкальной сказки Прокофьева охарактеризованы лейтмотивами.
Лейтмотив -- немецкое слово (Leitmotiv), означающее в переводе ведущий мотив. Так называется яркая, хорошо запоминающаяся музыкальная тема -- чаще мелодия, но может быть и краткий, из нескольких звуков, мотив, и аккордовая последовательность, которая обрисовывает какой-то образ или драматическую ситуацию. Лейтмотивы применяются в больших музыкальных произведениях -- операх, балетах, симфонических сочинениях, -- и появляются неоднократно на их протяжении, иногда в измененном, но всегда узнаваемом виде.
Очень любил использовать лейтмотивы немецкий композитор Рихард Вагнер. Особенно много их в его тетралогии «Кольцо нибелунга», где лейтмотивами характеризуются не только герои, но и их чувства, и даже отдельные предметы, как, например, заветный меч, золотое кольцо, символизирующее власть над миром, призывный рог юного героя Зигфрида.
Применяли лейтмотив и русские композиторы. В опере «Снегурочка» Римский-Корсаков дает лейтмотивы и самой дочери Весны и Мороза, и красавице-Весне, и Лешему -- олицетворению дикой, пугающей фантастической силы. В «Лебедином озере» Чайковского звучит лейтмотив лебедей. А помните оперу Глинки «Иван Сусанин»? Композитор характеризует поляков мелодиями и ритмами их национальных танцев -- полонеза, краковяка, мазурки. В дальнейшем, на протяжении следующих актов оперы, мазурка приобретает значение лейтмотива. Сначала, во втором акте, в замке короля Сигизмунда, она звучит торжественно и звонко. В следующем акте, в доме Сусанина, куда захватчики врываются, чтобы заставить старого крестьянина вести их на Москву, мелодия мазурки звучит воинственно и грозно. Наконец, в четвертом действии, в глухом лесу, в непроходимой чаще, куда завел поляков Сусанин, мазурка «сникла», потеряла свой блеск, свои самоуверенность и воинственность. В ней слышатся растерянность, беспокойство, бессильная злоба.
ЛИБРЕТТО. Если вы любите музыку (что несомненно, раз уж вам понадобилась эта книжка), то вам, наверное, приходилось видеть книги, которые называются «Оперные либретто». В них излагается содержание многих русских, советских и зарубежных опер.
Что же, либретто значит -- содержание? Нет, это неточное название. На самом деле либретто (итальянское слово libretto означает книжечка) -- это полный текст музыкально-сценического сочинения, то есть оперы, оперетты.
Как правило, сочиняют либретто специализирующиеся на этом авторы-либреттисты. Известны в истории музыкального театра выдающиеся либреттисты, существенно повлиявшие на развитие оперы, такие как П. Метастазио, Р. Кальцабиджи, а позднее А. Бойто в Италии, Э. Скриб, А. Мельяк и Л. Галеви во Франции. В России это был М. И. Чайковский, который писал либретто для своего брата П. И. Чайковского, В. И. Бельский, работавший с Н. А. Римским-Корсаковым. Много либретто для советских композиторов было написано певцом С. А. Цениным.
Часто в качестве первоисточника либретто служит литературное или драматическое произведение. Вспомните наиболее популярные оперы: «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Травиата», «Риголетто», «Кармен», «Снегурочка», «Борис Годунов», «Война и мир», «Катерина Измайлова». Здесь названы наугад русские, зарубежные и советские оперы, в основе которых -- известные произведения Пушкина, Толстого, Лескова, Островского, Мериме, Гюго, Дюма-сына. Однако произведения эти сильно изменены, потому что жанр оперы имеет свою специфику. Так, текст оперы должен быть очень лаконичным: ведь поющееся слово значительно дольше звучит, чем произнесенное. Кроме того, основа драматической пьесы -- диалог. В опере же должны быть арии, ансамбли, хоры. Все это тоже требует переработки. Переработки даже драматической пьесы. Если же в качестве первоисточника избирается повесть или роман, переделки еще больше: сокращается число действующих лиц, выделяется какая-то одна сюжетная линия и вовсе исчезают другие. Сравните, например, «Евгения Онегина» Пушкина и оперу Чайковского, и вы сами легко в этом убедитесь. Порою при этом меняются характеры героев, даже в некоторой степени идея произведения. Поэтому композитора иногда упрекают за искажение замысла писателя. Но такие упреки неосновательны: ведь композитор, вместе с либреттистом, пишет свое, самостоятельное сочинение. В качестве его первоосновы может быть взято и любое литературное произведение, и историческое событие, и народная легенда.
Либретто бывает самостоятельным, не основанным на литературном произведении. Либреттист либо сам сочиняет его, либо создает, основываясь на каких-то документах, фольклорных источниках и т. п. Так возникло, например, великолепное, очень своеобразное либретто оперы Н. Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», написанное В. Бельским.
Иногда автором либретто становится сам композитор. Так Александр Порфирьевич Бородин на основе великого памятника древнерусской поэзии «Слова о полку Игореве» создал либретто своей оперы «Князь Игорь». Сам написал либретто для «Бориса Годунова» и «Хованщины» Модест Петрович Мусоргский, а в наше время эту традицию продолжил Р. К. Щедрин, который является не только автором музыки, но и автором либретто оперы «Мертвые души».
История музыки знает случаи, когда в качестве либретто композитор избирает законченное драматическое произведение. Таков, например, «Каменный гость» Даргомыжского, написанный на неизмененный текст маленькой трагедии Пушкина.
ЛИРА. Знаете ли вы, какова эмблема музыкального искусства? Издавна ее привыкли изображать в виде изящного инструмента: фигурная изогнутая рама, скрепленная сверху перекладиной, к которой тянутся струны. Это лира, струнный щипковый инструмент, известный еще в Древней Греции и Египте. Лиру держали левой рукой, а в правой был плектр, которым извлекали звуки.
 | ДРЕВНЕГРЕЧЕСКАЯ ЛИРА |
 | ОРФЕЙ, ИГРАЮЩИЙ НА ЛИРЕ. РИСУНОК С ГРЕЧЕСКОЙ ВАЗЫ, V В. ДО Н. Э. |
Лира -- прародительница многих других струнных инструментов, но до нашего времени она дожила лишь в своих изображениях. Название же это было распространено на Украине и в Белоруссии, начиная с XVII века, но относилось к другому инструменту.
Крестьянская или колесная лира -- небольшой клавишный инструмент. Исполнитель одной рукой нажимал клавиши, играя мелодию, а другой крутил колесико, которое, задевая струны, создавало неизменный аккомпанемент. С колесными лирами бродили по дорогам странствующие, часто слепые, музыканты -- лирники.
 | КРЕСТЬЯНСКАЯ, КОЛЕСНАЯ ЛИРА |
ЛИТАВРЫ. У многих народов издавна известны инструменты, состоящие из полого сосуда, отверстие которого затянуто кожей. Такие инструменты встречаются в Индии, в Африке, в Китае, у славянских народов. Именно от них произошли современные литавры, занимающие почетное место среди ударных инструментов симфонического оркестра.
Литавры появились в оркестре первыми из ударных, еще в XVII веке. Это большие медные котлы, верх которых затянут кожей. С помощью винтов натяжение кожи можно изменять, и тогда звук становится выше или ниже.
 | ЛИТАВРЫ |
Играют на литаврах палочками, обтянутыми войлоком. Каждая литавра может издавать только один звук, -- тот, на который ее настроили. Перестраивать литавру долго и сложно. Поэтому в оркестре бывает две или три литавры разных размеров с разной настройкой. Современные композиторы используют четыре, иногда даже пять литавр.
Звучность литавр может быть очень разнообразной: от подражания раскатам грома до тихого, еле уловимого шороха или гула. Отдельные удары литавр поддерживают низкие, басовые голоса оркестра. А иногда литаврам поручают даже мелодии, конечно, несложные, состоящие из трех-четырех звуков.
ЛОЖКИ. Кажется, нечего этому слову делать в музыкальном словаре. Тем не менее, попал он сюда по праву. Это русский народный музыкальный инструмент, похожий, в сущности, на кастаньеты. Он состоит из двух обычных деревянных ложек. Их ударяют одна о другую выпуклыми сторонами, и получается четкий, звонкий звук. Раньше к ручкам ложек привязывали маленькие бубенчики.
Применяют их в оркестрах народных инструментов. А иногда организуют и самостоятельные ансамбли и даже целые оркестры ложкарей.
 |  |
| ЛОЖКИ С БУБЕНЧИКАМИ | СКОМОРОХИ. РУССКИЙ ЛУБОК XVIII В. СКОМОРОХ, ЕДУЩИЙ НА КОЗЛЕ, ИГРАЕТ НА ЛОЖКАХ |
ЛЮТНЯ. «Самый важный и самый интересный в музыкально-историческом отношении инструмент», -- так говорят о лютне многие музыканты, интересующиеся историей музыкальных инструментов.
Лютня была распространена во всем древнем мире -- в Месопотамии, Индии и Китае, в Египте и Ассирии, в Древней Греции и Риме, у персов и арабов. Арабы считали лютню самым совершенным из всех музыкальных инструментов и называли ее королевой инструментов. Именно через арабов лютня попала в Европу: она появилась в Испании в VIII веке, когда ее завоевали мавры. С течением времени из Испании лютня проникла в Италию, Францию, Германию и другие страны. Много веков продолжалось ее господство в музыкальной жизни. В XV -- XVII веках она звучала повсюду. Использовали ее и как сольный инструмент, и для сопровождения. Лютни больших размеров звучали в ансамблях и даже в оркестрах.
 |  ЛЮТНЯ |
| ЛЮТНИСТ (СПРАВА) И АРФИСТКА. РИСУНОК С ГРАВЮРЫ НИДЕРЛАНДСКОГО ХУДОЖНИКА ИЗРАЕЛЯ ВАН МЕКЕНЕМА. КОНЕЦ XV В. |
Постепенно ей пришлось уступить свое место смычковым инструментам: они обладали более